Il Nerikomi è l’arte della pazienza applicata alla ceramica. Non è una decorazione superficiale, eppure offre una ricchezza visiva ineguagliabile, perché il colore non è dipinto, ma nasce dall’interno della materia stessa.
Questa tecnica giapponese, legata all’estetica che valorizza la semplicità strutturale, crea Pattern ceramica giapponese meticolosi, dove l’equilibrio tra geometria controllata e l’accettazione della casualità rende ogni pezzo un manufatto unico e meditativo.
La stratificazione della bellezza e la distinzione Neriage
Sebbene le tecniche di miscelazione delle argille siano presenti in diverse culture come il marbling inglese, il Nerikomi si è evoluto in Giappone trovando la sua piena espressione come forma d’arte contemplativa. Storicamente, la tecnica si distingue dal neriage, che spesso implica la lavorazione al tornio e la rotazione delle spirali di argilla, creando un movimento quasi vorticoso.
Il Nerikomi, invece, si concentra primariamente sull’assemblaggio a lastra (o slab-building), dove la meticolosità è focalizzata sulla sezione trasversale del blocco, non sul movimento rotatorio.
Il suo sviluppo si lega a quell’estetica giapponese che valorizza la semplicità strutturale (shibui) e l’onestà del materiale. Questo principio, celebrato dal movimento Mingei, esalta la bellezza intrinseca degli oggetti artigianali e la verità del processo produttivo. L’approccio è particolarmente evidente nei meticolosi pattern ceramica giapponese, dove la precisione geometrica dell’assemblaggio iniziale incontra la casualità organica data dalla successiva compressione e lavorazione dell’argilla.
L’alchimia dell’argilla: un processo a ritmi lenti
Il processo del Nerikomi è, in realtà, una forma di scultura tridimensionale a colori che richiede una profonda comprensione della chimica e della fisica dell’argilla. Tutto inizia con la preparazione dell’Argilla colorata Nerikomi, dove ossidi metallici altamente purificati come il cobalto per i blu, il rame per i verdi e il manganese per i neri che vengono impastati nell’argilla di base.
È cruciale che le diverse argille, pur essendo di colore differente, abbiano le stesse proprietà di ritiro e lo stesso contenuto di umidità. Una differenza anche minima può portare a crepe e spaccature irreparabili durante l’essiccazione e, soprattutto, in cottura, dove il ritiro può oscillare tra il 10% e il 15%.
Le argille, una volta colorate, vengono tagliate in sezioni geometriche (cubi, strisce, cilindri, triangoli) e poi assemblate con estrema cura in blocchi compatti. L’artigiano, in questa fase, agisce come un compositore che definisce il ritmo e la densità visiva della futura lastra. Il blocco così formato viene successivamente tagliato in lastre sottilissime (simili a fette), che rivelano il disegno interno e intricato.
Il confine tra controllo e casualità organica
Una delle sfide più affascinanti di queste Tecniche artistiche è l’equilibrio tra l’intenzione e l’imprevisto, una dialettica fondamentale nell’arte contemporanea. L’artista deve anticipare come i colori reagiranno non solo durante l’assemblaggio dove la pressione deve essere uniforme per evitare bolle d’aria, ma anche dopo la cottura, quando le alte temperature alterano drasticamente la saturazione dei pigmenti e possono accentuare le linee di giunzione.
La bellezza finale risiede proprio in questa tensione. Nonostante la precisione chirurgica con cui vengono tagliate e assemblate le geometrie, il calore e la manipolazione manuale assicurano che le linee non siano mai perfettamente omogenee, mostrando invece la sottile vibrazione dell’intervento umano e il respiro della materia. In questo senso, il Nerikomi si allinea con l’estetica wabi-sabi, celebrando l’imperfezione e la transitorietà.
Questa tecnica eleva il colore da elemento esterno a struttura portante dell’oggetto. Le linee create non sono confini, ma intersezioni tra materie che, pur essendo diverse, si fondono in un unico corpo ceramico.
L’estetica dell’integrità
Il Nerikomi non è solo un esercizio di geometria e pigmento; è un atto di meditazione sulla materia e sul tempo. Ogni pezzo finito è una sezione trasversale dell’impegno, un registro visivo della pressione e della stratificazione. Non si tratta solo di creare un oggetto che chiede di essere guardato, ma un manufatto che invita a toccare, a percepire la densità della stratificazione, a interrogarsi sulla sua origine.
Fonti:
kinsen.tokyo, CeramicaArtsNetworking, CiyPottery, Judy Mckenzie
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